In the Suite mit Agathe Bokanowski
Wenn Sie in die La Suite du Collectionneur im Le Grand Hôtel Cayré eingecheckt haben, ist es Ihnen sicher sofort aufgefallen: maßgefertigte Kunstwerke, die neben Antiquitäten und einzigartigen Fundstücken stehen. Teil Galerie, Teil Gästezimmer – und oui, wenn Ihnen etwas ins Auge fällt, ist es wahrscheinlich auch käuflich zu erwerben. Alles zusammengestellt vom renommierten Kunst- und Designkurator Gilbert Kann.
Falls Sie noch nicht das Vergnügen hatten, La Suite du Collectionneur zu entdecken – oder sie bereits entdeckt haben und sich gefragt haben, wer hinter den einzelnen Werken steht –, sind Sie hier genau richtig. „In the Suite“ ist der Ort, an dem wir uns mit den Künstlerinnen und Künstlern selbst zusammensetzen. Sie führen uns durch ihren kreativen Prozess, ihre Einflüsse und erklären, was hinter den Werken steht, die Sie hier sehen.
Unsere erste Vorstellung: Agathe Bokanowski, Malerin und Illustratorin.
Was versuchen Sie in Ihrer Arbeit einzufangen?
Meine Arbeit ist kontemplativ und leise intim. Ich male Orte, zeitgenössische Landschaften, oft solche, die ich selbst bewohnt habe, die mich in gewisser Weise geprägt haben. Sie lesen sich wie Lebensfragmente: irgendwo zwischen Urlaubs-Schnappschüssen, traumähnlichen Eindrücken und der Bildsprache der Werbewelt der 1980er- und 1990er-Jahre.
Es gibt eine starke Präsenz von Erinnerung in Ihrer Arbeit …
Ja, absolut. Es tauchen oft Gärten auf, wie derjenige, in dem ich fast alle meine Kindheitsferien verbracht habe, oder Wälder, die immer wieder auftauchen. Es fühlt sich an wie eine Art geerbte Landschaft, etwas Lebendiges, das sich weiterentwickelt. Nichts verschwindet jemals wirklich; es verändert nur seine Form.
Sie haben schon immer gezeichnet und gemalt, aber auch mit Video gearbeitet. Warum kehren Sie zu traditionelleren Praktiken zurück?
Ja, während meines Studiums habe ich Video ausprobiert. Aber ziemlich schnell erschien mir das Digitale distanziert, zu glatt, zu kalt. Ich brauche etwas Taktileres. Etwas Wesentliches fehlte: die Materialität. Dieses Bedürfnis zu berühren und zu gestalten brachte mich zurück zur Geste, zu Kohle, die das Papier schwärzt, und zu Wasser, das die Pigmente der Aquarellfarbe trägt.
Ihr Atelier scheint von einem ganz besonderen Licht erfüllt zu sein. Wie würden Sie diesen Raum beschreiben?
Ein lichtdurchfluteter, fast wintergartenartiger Raum, in dem verschiedene Pflanzen- und Tierarten mehr oder weniger harmonisch zusammenleben. Selbst wenn Paris unter grauen Himmel liegt, bleibt das Licht hier klar, als würde es in der Luft schweben. Es ist ein Raum, der sich lebendig anfühlt, der leise atmet.
Welche Werke stellen Sie bei uns aus?
Ich zeige mehrere Werkserien, hauptsächlich Landschaften: eine Reihe kleiner, farbiger Zeichnungen mit Tinte und Aquarell sowie größere Arbeiten mit Kohle, in denen man umherwandern und sich verlieren kann.
„Petra“ ist eine Landschaft eines griechischen Strandes. Die Aquarellfarben rufen das mediterrane Licht hervor. Der Strand befindet sich auf der Insel Patmos, einem ganz besonderen Ort: Man sagt, dass dort der heilige Johannes die Offenbarung geschrieben hat. Der Strand heißt „Petra“ wegen eines massiven Felsens, der dort steht und von Höhlen durchzogen ist. Es heißt, dass ein Eremit in ihm gelebt haben soll.
Es ist ein Ort, der von Geschichten und Traditionen geprägt ist, und doch erleben diese Strände im Sommer einen Zustrom von Touristen, die aus aller Welt kommen, um in Hotels, Häusern oder auf Luxusbooten zu übernachten. All diese Lesarten des Ortes existieren nebeneinander. Ich bin oft beeindruckt von Landschaften, die einen historischen, ja sogar antiken Charakter bewahren und zugleich die am stärksten entwickelten Aspekte unserer heutigen Gesellschaften verkörpern. Diese Orte bleiben faszinierend: unveränderlich, unbewegt, unantastbar. Ihre Beständigkeit, ihre Widerstandskraft gegenüber der Zeit erscheinen mir absolut außergewöhnlich.
Chemin creux was shown at the Boghossian Foundation in Brussels in 2023, following an artist residency. The Foundation sits on the edge of the Bois de la Cambre, and I wanted to draw on one of Brussels’ oldest traditions: the Meyboom, a Belgian variation of the May Tree [a custom found across Europe and beyond].
„Chemin creux“ wurde 2023 nach einem Künstleraufenthalt in der Boghossian-Stiftung in Brüssel gezeigt. Die Stiftung liegt am Rand des Bois de la Cambre, und ich wollte mich auf eine der ältesten Traditionen Brüssels beziehen: den Meyboom, eine belgische Variante des Maibaums [ein Brauch, der in ganz Europa und darüber hinaus verbreitet ist].
In dieser Zeichnung tauchen wir in eine pflanzliche Welt ein: Die menschliche Präsenz wirkt fast überwältigend, bleibt jedoch schützend, ja sogar einladend. Historisch dienten diese Hohlwege über Jahrhunderte hinweg als Verbindungen zwischen Dörfern. Ihre Geschichte ist zutiefst emblematisch für die Entwicklung der französischen Landschaft, und die Frage der Hecken bleibt bis heute ein sensibles Thema.
Ihre Werke bewegen sich zwischen hellen und dunkleren Atmosphären. Wie gehen Sie mit dieser Dualität um?
Das stimmt, es gibt Kontraste: helle Sommer, dann dichtere Wälder, nächtliche Landschaften. Aber mich zieht Dunkelheit an sich nicht besonders an; mich interessiert das Licht. Schatten sind einfach Teil der Landschaft, wie alles andere auch. Darin liegt eine ruhige Gelassenheit, ein Vertrauen in die Vorstellung, dass die Natur weiterhin da ist, stabil, geerdet, fast unveränderlich.
Was möchten Sie mit Ihrer Arbeit ausdrücken?
Ich würde sagen, es ist eine Art, einem Faden zu folgen. Was mich interessiert, sind die beständigen Elemente: Zeit, Erinnerung und Zyklen. Es ist eine Kunstform, die das würdigt, was alles überdauert: Menschen, Winter und unsere Geschichten.