In the Suite con Agathe Bokanowski
Si te has alojado en La Suite du Collectionneur en el Le Grand Hôtel Cayré, lo habrás notado enseguida: obras de arte personalizadas junto a antigüedades y piezas únicas. Parte galería, parte habitación de hotel, y sí, si algo te llama la atención, probablemente esté a la venta. Todo reunido por el reconocido curador de diseño artístico Gilbert Kann.
Si aún no has tenido el placer de descubrir La Suite du Collectionneur, o si ya lo has hecho y te has quedado con curiosidad sobre las personas detrás de las piezas, estás en el lugar adecuado. En la Suite es donde nos sentamos con los propios artistas. Nos hablan de su proceso, de sus influencias y de lo que hay detrás del trabajo que ves aquí.
Nuestra primera presentación: Agathe Bokanowski, pintora e ilustradora.
¿Qué estás tratando de capturar en tu obra?
Mi obra es contemplativa y de una intimidad discreta. Pinto lugares, paisajes contemporáneos, a menudo aquellos que he habitado, los que de algún modo me han marcado. Se leen como fragmentos de vida: a medio camino entre fotografías de vacaciones, impresiones oníricas y el lenguaje visual de la publicidad de los años 80 y 90.
Hay una fuerte presencia de la memoria en tu obra…
Sí, absolutamente. A menudo aparecen jardines, como aquel donde pasé casi todas las vacaciones de mi infancia, o bosques que resurgen una y otra vez. Se trata de una especie de paisaje heredado, algo vivo que sigue evolucionando. Nada desaparece realmente; simplemente cambia de forma.
Siempre has dibujado y pintado, pero también has trabajado con video. ¿Por qué volver a prácticas más tradicionales?
Sí, exploré el vídeo durante mis estudios. Pero bastante rápido, los medios digitales me resultaron distantes, demasiado pulidos, demasiado fríos. Necesito algo más táctil. Faltaba algo esencial: la materialidad. Esa necesidad de tocar y de hacer me llevó de vuelta al gesto, al carbón que ennegrece el papel, al agua que transporta el pigmento de la acuarela.
Tu estudio parece lleno de un tipo de luz muy particular. ¿Cómo describirías este espacio?
Un espacio bañado por la luz, casi como un invernadero, donde distintas especies de plantas y animales coexisten en una armonía más o menos frágil. Incluso cuando París está bajo cielos grises, la luz aquí sigue siendo nítida, como suspendida en el aire. Es un espacio que parece vivo, que respira en silencio.
¿Qué obras estás exponiendo con nosotros?
Presento varias series de obras, principalmente paisajes: una serie de pequeños dibujos coloridos realizados con tinta y acuarela, y piezas de mayor formato hechas con carboncillo, en las que uno puede deambular y perderse.
Petra es un paisaje de una playa griega. Los tonos de la acuarela evocan la luz mediterránea. La playa se encuentra en la isla de Patmos, un lugar muy particular: se dice que allí San Juan escribió el Libro del Apocalipsis. La playa se llama “Petra” debido a una enorme roca que se alza allí, hueca y llena de cavidades; se dice que un eremita vivió en su interior.
Es un lugar cargado de historias y tradiciones, y sin embargo estas playas hoy en día reciben una afluencia de turistas en verano que llegan de todo el mundo para alojarse en hoteles, casas o embarcaciones de lujo. Todas estas lecturas del lugar coexisten. A menudo me llaman la atención los paisajes que conservan un carácter histórico, incluso antiguo, mientras encarnan al mismo tiempo los aspectos más desarrollados de nuestras sociedades contemporáneas. Estos lugares siguen siendo fascinantes: inmutables, impasibles, intocables. Su permanencia, su resistencia al paso del tiempo, me parecen absolutamente extraordinarias.
Chemin creux se presentó en la Fundación Boghossian en Bruselas en 2023, tras una residencia artística. La Fundación se encuentra en el borde del Bois de la Cambre, y quise inspirarme en una de las tradiciones más antiguas de Bruselas: el Meyboom, una variante belga del árbol de mayo [una costumbre presente en toda Europa y más allá].
Cada año, se selecciona un árbol y se vuelve a plantar en la ciudad. Durante la residencia, instalé grandes dibujos de bosque dentro del espacio del estudio, abriéndolo y extendiendo de algún modo la Fundación hacia los bosques circundantes.
En este dibujo estamos inmersos en un mundo vegetal: la presencia humana es casi envolvente, pero sigue siendo protectora, incluso acogedora. Históricamente, estos caminos hundidos sirvieron durante siglos como enlaces entre aldeas. Su historia es profundamente emblemática de la evolución del paisaje francés, y la cuestión de los setos sigue siendo hoy en día un tema sensible.
Tus obras oscilan entre atmósferas luminosas y otras más oscuras. ¿Cómo abordas esta dualidad?
Es cierto, hay contrastes: veranos luminosos, luego bosques más densos, paisajes nocturnos. Pero no me atrae la oscuridad en sí; lo que me interesa es la luz. Las sombras son simplemente parte del paisaje, como todo lo demás. Hay una serenidad tranquila en eso, una confianza en la idea de que la naturaleza sigue ahí, estable, arraigada, casi inmutable.
¿Qué intentas expresar a través de tu obra?
Diría que es una forma de seguir un hilo. Lo que me intriga son los elementos que perduran: el tiempo, la memoria y los ciclos. Es una forma de arte que honra aquello que permanece a través de todo: las personas, los inviernos y nuestras historias.